Opera venețiană
Inaugurarea, la începutul anului 1637, a primei opere de operă publică, Teatro di San Cassiano din Veneția - un proiect comercial pentru una dintre familiile bogate de negustori din oraș - a fost un alt factor decisiv în dezvoltarea operei. Acest eveniment a înlăturat în cele din urmă opera din patronajul exclusiv al regalității și nobilimii și a pus-o la îndemâna tuturor sectoarelor mai puțin sărace ale populației urbane italiene. Până la sfârșitul secolului, Veneția avea nouă astfel de teatre comerciale, o serie dintre ele dedicate operei. Cu toate că teatrele nu au funcționat simultan, acestea au atras și au concurat într-adevăr publicul intern și internațional. Astfel, a început o tendință la mijlocul secolului al XVII-lea în favoarea parcelelor cu subiecte mai senzaționale care includeau elemente de intrigă, deghizare și înșelăciune și care cereau utilaje elaborate. Comercializarea operei a dus și la o creștere a influenței cântăreților; ascensiunea la proeminența castratilor (bărbați care fuseseră castrați înainte de pubertate pentru a-și păstra raza și puritatea vocilor lor boierești, acum întărite de piepturile lor pe deplin mature); și un accent concomitent pe arii peste recitativ.
Teatrul occidental: Opera
Unul dintre cele mai durabile produse ale teatrului renascentist a fost opera. A rezultat din experimente ale Camerata, o societate florentină
Un elev al lui Monteverdi, Francesco Cavalli, a devenit cel mai popular compozitor de operă din epoca sa prin furnizarea de opere de la Veneția cu mai mult de două duzini de opere între 1639 și 1669. Cavalli a infuzat libretele pe care le-a pus la muzică cu forță și directitate dramatică. Cea mai cunoscută dintre operele sale a fost Giasone (1649; „Jason”), al cărui libret de Giacinto Andrea Cicognini a inclus episoade farcicale. Principalul și succesorul său venețian Cavalli a fost Pietro Antonio Cesti, a cărui moștenire include aproximativ o duzină de opere, mai ales Orontea (1656; libret de Cicognini). Compozitori venețieni din a doua jumătate a secolului au inclus Antonio Sartorio și Giovanni Legrenzi, iar la începutul secolului XVIII Antonio Vivaldi, care a compus 49 de opere pentru Veneția și alte orașe; multe dintre operele lui Vivaldi sunt acum pierdute. Publicarea scumpă a partiturilor de operă a încetat odată ce genul a devenit stabilit și a fost întrerupt patronajul aristocratic. Majoritatea operelor au durat doar un sezon, după care au fost înlocuite cu lucrări recent comandate. Abia de la sfârșitul secolului XX, unele dintre aceste opere, în special cele ale lui Cavalli, au fost recuperate și reînviate.
Operele venețiene erau lucruri extravagante în care comploturile improbabile - un amestec de elemente comice și serioase - se desfășurau în recitativ simplu, iar aria a luat o nouă idiom lirică. Ariile erau de obicei turnate sub formă strofică (strofe cântate la aceeași muzică) și care curg triplu metru (bătăi în grupuri de trei), iar unele aveau modele de bas repetitive (ostinatoase sau bass-sol), care prelungeau punctele înalte expresive ale complotului. Compozitorii venețieni au dezvoltat stiluri și forme distinctive pentru numeroasele arii solo și duete și au acordat puțină atenție corului, care a jucat un rol mai important în producțiile de curte florentine și au continuat să fie importante pentru contemporanii lor romani. Separarea rezultată între recitativ și aria și concentrarea concomitentă asupra cântăreților solo a devenit trăsături caracteristice ale operei pentru următorii 200 de ani. Mai mult, numărul de arii dintr-o operă a crescut treptat - de la aproximativ 24 de la mijlocul secolului al XVII-lea la mai mult de 60 până în 1670. Astfel, viziunea florentină (și Monteverdian) privește muzica unei opere ca inseparabilă de poezia și drama sa a fost curând inversat de gusturile și dorințele publicului venețian plătitor, care a savurat elementele vizuale ale seturilor și costumelor, a avut o plăcere mai mare în elaborarea muzicală decât în structura dramatică convingătoare și a oferit o atmosferă în care au înflorit rivalitățile între companiile de operă și printre cântăreți de stele foarte plătiți
Dezvoltarea stilurilor operatice în alte orașe italiene
Câteva alte orașe italiene au dezvoltat curând stiluri operative recunoscute în secolul al XVII-lea. La Roma, unde prelații bogați au devenit sponsori arși ai operei, libliștii au extins gama de subiecte pentru a include legendele sfinților. Majoritatea compozitorilor romani ai vremii, precum Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi și Michelangelo Rossi au urmat tradiția florentină prin includerea ansamblurilor vocale și a finalelor corale (cu dans) pentru fiecare act. S-au abătut de la stilul florentin prin creșterea contrastului dintre arii și recitative, permițând ariei să întrerupă continuitatea dramatică și făcând recitativele mai vorbitoare și mai puțin interesante din punct de vedere muzical. De asemenea, au folosit episoade comice pentru a clarifica poveștile predominante tragice (așa cum au făcut venețienii) și au introdus demersuri instrumentale și piese asemănătoare unei urme anterioare unor acte sau secțiuni de acte.
Doi compozitori romani - fratele lui Mazzocchi, Virgilio și Marco Marazzoli - sunt adesea citați ca au creat prima operă complet comică, Chi soffre speri (1639; „Cel care suferă, speră”). Libretul său a fost scris de cardinalul Giulio Rospigliosi, care avea să fie ridicat la papalitate în 1667 sub numele de Clement IX. Cel mai cunoscut libret al lui Rospigliosi, Sant 'Alessio (1632; „Sfântul Alexis”), a primit un cadru de Landi, care a necesitat o distribuție complet masculină, inclusiv castrati în roluri feminine - o altă caracteristică a operei din Roma, unde femeile nu erau permise. să cânt pe scenă. Opera a fost reînviată cu succes la sfârșitul secolului XX, cu o nouă rasă de contorizatori virtuosici foarte bine pregătiți care preiau rolurile destinate inițial castratelor.
Opera a fost, de asemenea, o parte importantă a vieții muzicale din Napoli, unde s-a înființat primul teatru de operă permanent al orașului, Teatro San Bartolomeo, la mijlocul secolului al XVII-lea. În 1700, Napoli a rivalizat cu Veneția ca centru al operei italiene, în mare parte datorită operelor și influenței lui Alessandro Scarlatti, care își făcuse reputația la Roma. Scarlatti a scris cel puțin 32 din cele 66 de opere ale sale pentru San Bartolomeo între 1684 și 1702, înainte de Războiul de succesiune spaniolă (1701-14), l-a determinat să se întoarcă la Roma. Dintre operele sale, La caduta de 'Decemviri (1697; „Căderea decemvirelor”) - pe un libret de Silvio Stampiglia care conține nu mai puțin de 62 de arii - reprezintă Scarlatti în culmea carierei sale teatrale. El a continuat să scrie opere pentru Roma, Florența și Veneția, înainte de a se întoarce la Napoli în 1709. Totuși, stilul operelor sale începuse atunci să fie demodat.
O mișcare neoclasică în operă, originară din Veneția la sfârșitul secolului al XVII-lea, începuse să purjeze libretti de scene și personaje comice și să ceară comploturi mai simple, bazate pe tragediile dramaturgilor francezi Pierre Corneille și Jean Racine, care foloseau un limbaj ridicat și a menținut idealul clasic de unitate a timpului, locului și acțiunii, care a impus ca libretul să aibă un singur complot într-o singură zi și într-un singur loc sau cadru. Aceste valori erau reflectate într-un tip de operă cunoscut sub numele de opera seria (plural: opera serie), sau „operă serioasă”, deosebit de o operă buffa (plural: opera buffe) sau „opera comică”. Seria de opere a lui Scarlatti este exemplară în folosirea unor comploturi unificate cu mai puțin de 10 caractere, ale căror sentimente și personalități sunt exprimate într-o serie de arii da capo, un tip de arie asociată în special cu seria de opere napolitane. Aria da capo a fost o formă pe scară largă în trei secțiuni (ABA), a treia repetând primul „din capo, sau cap” - adică de la început. Forma consta dintr-un poem ritual, ritual, a cărui idee principală a fost surprinsă de unul sau două motive muzicale caracteristice, care au fost extinse într-un solo elaborat plin de muzică și repetări de text încadrate de ritornelli instrumentali. Scopul compozitorului din fiecare ară a fost să descrie una sau două emoții dintr-o gamă largă de pasiuni pentru a modela un portret muzical al stării sufletești a unui personaj dat în acel moment al acțiunii - o funcție similară cu cea a acțiunii - oprirea prim-planului cinematografic astăzi. Scarlatti și-a imitat ariile cu o calitate și profunzime neobișnuite și le-a oferit instrumente bogate și variate.
De remarcat printre succesorii imediați ai lui Scarlatti au fost compozitori precum Nicola Porpora, Leonardo Vinci și Leonardo Leo. Această generație a colaborat adesea cu poetul dramatic Pietro Trapassi, cunoscut sub numele de Metastasio - poate cel mai mare dintre libretiștii din secolul al XVIII-lea, ale căror opere au fost stabilite de aproximativ 400 de compozitori până în secolul al XIX-lea. Continuând obiceiul de a baza libretele pe legenda și pseudohistoria greco-romană, cu comploturi care se învârt în jurul lui Dido, Alexandru cel Mare și Titus, mai degrabă decât eroi mitologici, Metastasio și predecesorul său venețian Apostolo Zeno au scris texte de o frumusețe formală și claritate lingvistică, preferând subiecte solemne, de obicei tragice (opera seria) în trei acte decât episoade și personaje comice.
Termenul de opera napolitana, pe lângă asocierea sa cu opera seria, a ajuns, de asemenea, să indice un stil ingratiant ușor, uneori numit galant, care se bazează pe prim-planul melodiilor vocale grațioase, prezentate în fraze simetrice, echilibrate. Aceste melodii s-au bazat pe un acompaniament mai simplu care nu era liber de ritmurile de conducere ale ariilor anterioare (din perioada barocă, care corespund aproximativ secolelor XVII și începutul secolului XVIII) și care susținea mai degrabă decât concura cu vocea. Multe dintre calitățile care au fost asociate cu așa-numitul stil clasic vienez al secolului al XVIII-lea - în special muzica instrumentală a lui Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart și Ludwig van Beethoven - și-au avut originea în stilul vocal ton al operei napolitane.
Până în 1730 opera italiană, uneori în traducere, ajunsese în aproximativ 130 de orașe și orașe europene, de la Copenhaga la Madrid și de la Londra la Moscova. Convențiile din ce în ce mai rigide și nedramatice ale operei serioase au determinat critici - cum ar fi satira mordantă Il teatro alla moda („Theatre à la Mode”) publicată în 1720 de compozitorul-poet-statian venețian Benedetto Marcello. Elementele de bază ale recitativului și ariei, ansamblurilor ocazionale și corurile au fost păstrate până în zilele noastre, deși proporțiile acestora în raport cu altele variau. În secolul al XVIII-lea, opera italiană a fost cu adevărat un mediu internațional și singurul vehicul prin care un compozitor de succes putea atinge faimă și avere.
